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Quand on commence à dessiner, nous avons tendance à nous perdre à travers toutes les informations. J’ai donc essayé de vous faire un condenser des bases essentielles pour moi.
Tout d’abord, il existe trois types de dessin : le dessin d’observation, le dessin d’imagination et le dessin de compréhension. La dernière est moins connue, pourtant, c’est celui qui vous donneras accès au dessin d’imagination, ceux qui affirmeront votre personnalité.
1. Dessin d’observation :
C’est typiquement le type de dessin que l’on utilise lorsqu’on illustre un carnet de voyage par exemple. Vous reproduisez ce que vous voyez. Maîtriser le dessin d’observation est la première étape pour progresser sereinement dans l’apprentissage du dessin. Une bonne technique pour savoir si vous maîtrisez le dessin d’observation est de voir la ressemblance entre vos modèles et vos œuvres. S’ils sont ressemblants et n’ont pas de gros problèmes de proportions, alors il y a de grandes chances que vous ayez une observation suivante pour passer aux notions suivantes.
A contrario, si vous ne maîtrisez pas cette première étape, armez-vous de patience, certains élèves voulaient sauter cette étape, pensant gagner du temps… et finissent par en perdre plus tard.
2. Dessin de compréhension
Alors que le dessin d’observation repose sur un dessin qu’on observe, le dessin de compréhension réside dans la compréhension de ce qui nous entoure (les muscles du corps, etc).
On ne se dit plus « trace la ligne que tu vois ici », mais « pourquoi cette ligne est-elle ici ?
Dans le dessin de compréhension, ça sera plus votre œil qui travailleras. On fait du dessin scientifique dans le but de comprendre ce que l’on fait. On vient intellectualiser le dessin. Alors que le but ultime du dessin d’observation est en fait de créer un dessin aussi proche que possible du « bon », le dessin cognitif devrait vous aider à comprendre autant d’informations que possible sur votre pièce.
On peut donc se poser les questions suivantes :
« Pourquoi la cuisse à cette forme ? Où se rattache les diffèrent muscles ? Pourquoi cette composition me plait ? Pourquoi cette harmonie de couleurs fonctionne ? Etc … »
3. Dessin d’imagination
Le dessin d’imagination consiste à transformer une scène mentale en dessin sur un support en deux dimensions.
À ce stade, on y passe tous, on y rencontrent souvent des difficultés : on peut dessiner des modèles vivants pendant des heures, dessiner un personnage sous n’importe quel point de vue, c’est toujours aussi compliqué. … Il en va de même pour la décoration ou les paysages. Peu importe que vous ayez réalisé 1001 aquarelles, utilisées ou gouaches pour une architecture… lorsqu’il s’agit de créer l’illusion d’un décor véritablement tridimensionnel, avec profondeur et authenticité, cela vous semble impossible. Avec les acquits des types de dessins au-dessus pas de panique !! Vous allez vous en sortir comme des chefs.
Plus vous vous entrainerez et plus ça deviendra naturel 🙂
ON A VUE LA DIFFÉRENCES ENTRE DESSIN D’OBSERVATION ET DESSIN DE COMPRÉHENSION
Nous pouvons regarder les “bases” du dessin qui vous permettras d’accéder au dessin d’imagination. On peut décrire par « les bases » pourrait avoir comme définition : toutes les règles ou codes permettant de représenter la réalité. Cependant, je tiens à rappeler que ces bases ne sont que des indicatifs. Vos techniques peuvent différer en fonction de l’endroit où on l’apprend ou de la laquelle on les apprend, changeant ainsi votre » style » de dessin. Par exemple, le concept de perspective n’a été découvert par Filippo Brunelleschi qu’après 1425. Ainsi les tableaux peints avant la renaissance se voient pourvues d’une perspective complètement fausse ou inexistante. Le style de dessin est différent, cela ne veut pas dire que c’est moins bon techniquement. Le style évolue et les courants artistiques également et reviennent en boucle. À l’heure actuel, il y a autant de style que d’artiste presque. Trouver le style ou vous sentir bien. Beaucoup de ces « domaines » sont liés les uns aux autres. En d’autres termes, si vous comprenez la lumière, vous pouvez aussi comprendre la matière. Il en va de même pour les détails et la perspective de l’image. Autre bonne nouvelle : il n’est pas nécessaire d’être parfait en tout. Selon votre style de dessin, vous n’êtes pas obligés de les utiliser. N’oubliez pas qu’il y a plus dans la vie que l’hyperréalisme. Vous êtes unique.
Maintenant que nous connaissons les différents types de dessins. Nous pouvons regarder les indispensables.
- La composition
- Le cadrage
- La couleur
- Les proportions
- Comprendre le vivant
- La lumière et les ombres
- Les valeurs
- Les matières
- La perspective
Penchons-nous un peu plus sur les différents points :
LA COMPOSITION
C’est quelques choses qu’on utilise dans beaucoup de discipline, notamment dans la photo. La composition est l’arrangement des éléments dans un dessin. L’art de composer votre dessin revient à savoir où placer les éléments qui composent votre image. Format vertical ou horizontal ? Mon personnage devrait être placé à droite ou au centre ? Une composition efficace peut attirer l’attention du spectateur et communiquer votre message. L’essentiel est de trouver une composition qui appuiera le propos de votre image, car en changeant une composition, on peut complètement en changer le sens ! J’ai fait un article complet sur le sujet 🙂
LE CADRAGE
J’aime définir le cadrage comme la position de la personne qui regarde la scène que vous dessinez. Ou la caméra. Êtes-vous en plonge, contre-plongée ? Et qu’est-ce que cela influe sur votre image ? Qu’est-ce que ça transmet ? C’est des questions que l’on se pose quand on travaille son cadrage. Le cadrage est aussi étroitement lié à la composition. Vous trouverez donc toutes les infos que vous voulez dans l’article « composition d’un œuvre »
LA COULEUR
Je pense que vous savez déjà ce qu’est la couleur. La couleur est étroitement liée avec la lumière et la valeur. Il est donc plus intuitif d’apprendre la lumière et la valeur avant de se lancer dans la couleur. En étudiant cela, vous vous apercevrez que la couleur d’un objet se comporte différemment en fonction de la lumière ambiante. La teinte sera différente. Dans votre vie quotidienne, vous avez déjà pu observer ce phénomène, votre manteau rouge vif par exemple. Il ne sera pas de la même couleur en extérieur, sous la pluie, sous un soleil d’automne. Bref, vous avez le concept.
Un autre point important au niveau de la couleur est la relativité des couleurs. Il s’agit de comprendre comment se comportent les couleurs l’une par rapport à l’autre. En jouant avec les différents contrastes notamment.
Les couleurs ont une signification et peuvent également être codées pour transmettre certains types d’émotions. Par exemple, le bleu représente le calme et la tranquillité. Connaître ces codes est essentiel pour interpréter correctement les images. Mais n’ayez crainte. Vous connaissez probablement déjà ces codes, car ils sont profondément ancrés dans notre subconscient. Mon article sur les couleurs donne plus de détails sur le code si vous en avez besoin.
LA PROPORTIONS
Les proportions sont importantes pour dessiner des objets et des personnes de manière réaliste. Les proportions correctes permettent de rendre le dessin crédible et esthétiquement agréable. Mais encore une fois ce n’est pas obligatoire, cela dépendra de votre style. On se sert spécifiquement du dessin d’observation pour comprendre les proportions. Il est plus facile de commencer avec des formes géométriques simples pour ensuite mettre les volumes. Cela permettra d’avoir de bonnes proportions. Décomposer en 2ᵈ puis monter en 3D permet de mieux comprendre, ainsi avec l’habitude, vous passerez directement en 3D. Pour ce qui est des proportions d’un vivant, c’est différent. On l’étudia un peu plus tard.
COMPRENDRE LE VIVANT
Si vous avez des problèmes avec les proportions de personnes, d’animaux ou d’animaux fantastiques, vous avez probablement un problème anatomique. C’est indispensable si l’on veut représenter un être vivant. Connaître l’anatomie vous aide à comprendre le fonctionnement du corps humain. Cela inclut les différences au niveau des muscles, du squelette, des articulations humaines (et animales. Qui sont sensiblement les mêmes), ainsi que la morphologie et les zones de graisse. J’ai fait différents articles sur l’anatomie, ça vous aidera surement.
LA LUMIÈRE ET LES OMBRES
Il en va de même pour le dessin (aussi bien le dessin traditionnel que le numérique) que dans n’importe qu’elle discipline artistique. La lumière affecte le volume de tout ce qui nous entoure. Et sans sa présence, nous aurions affaire à une simple zone noire et plate. Il est donc important de comprendre son fonctionnement et comment l’utiliser pour donner du sens aux images.
La lumière est très intuitive. Lorsque vous observez et dessinez, vous l’apprenez instinctivement. Petit tips pour vous permettre d’avoir des ombres cohérentes, je mets un morceau de scotch avec un petit soleil dessus, à l’endroit où je veux que la ou les sources de lumières soit. Ça m’aide à être cohérentes sans faire d’efforts.
COMPRENDRE LES VALEURS
La valeur désigne toutes les nuances de gris du dessin. Cette zone est liée à la zone de lumière et est indispensable à la représentation du volume. Par exemple, une armure ou un décor. Comment pouvons-nous comprendre qu’il y a une bosse ici et une baisse là ? C’est à cause des valeurs au travail. En travaillant vos valeurs, vous pouvez créer différentes ambiances en jouant avec la lumière et l’obscurité. Différentes techniques (ou « médias ») peuvent être utilisées pour obtenir des résultats différents. Exemples : clair-obscur ou hachures. En résumé, c’est la concentration de couleur ou de gris qui donne du relief et du sens, de la vie à l’œuvre.
REPRÉSENTER LES MATIÈRES
Les matériaux, c’est comme mélanger le comportement de la lumière et de la couleur. Autrement dit, c’est un domaine assez facile à maîtriser une fois qu’on a quelques connaissances en la matière. L’observation est très utile, tout comme la compréhension du dessin. La pratique est la chose la plus importante lorsqu’il s’agit de maîtriser différentes matières. Cette video pourrais vous aider à mieux appréhender la matière : https://www.youtube.com/watch?v=lhC5T-2nwaQ
LA PERSPECTIVE
La perspective est une méthode de représentation d’objets en trois dimensions sur une surface plane. Les techniques de perspective aident à créer l’illusion de profondeur dans vos dessins.
On le comprend, la perspective permet de représenter les objets en 3D.
Lorsque nous pensons à la perspective, c’est souvent l’environnement que nous imaginons. C’est vrai, mais la perspective est également utilisée pour représenter des personnes. Lorsque vous levez le doigt et le pointez vers le spectateur, il utilise les principes de perspective pour restituer ce bras en 3D. La théorie de la perspective est fréquemment mal vue par les designers en herbe, mais elle n’est pas si difficile à apprendre. Maîtriser la perspective fera progresser votre apprentissage du dessin. Alors ne l’ignorez pas. Elle est votre meilleure alliée.
Petit tips :
Continuer à apprendre :
Le dessin est une compétence qui peut être développée à tout moment. Continuez à apprendre en assistant à des cours, en lisant des livres d’images ou simplement en vous entraînant. En suivant ces étapes, vous pouvez améliorer votre dessin même si vous pensez que vous êtes mauvais dans ce domaine. Avec de la pratique et de la patience, vous serez en mesure de créer des designs dont vous êtes fier et qui expriment qui vous êtes.
Pratiquer régulièrement :
La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences en dessin. Essayez de dessiner régulièrement, même s’il ne s’agit que d’un petit croquis sur une serviette en papier. Plus vous pratiquez, meilleurs seront votre style et vos compétences. Pourtant, il est important de le faire sans se sentir sous pression. Le but est d’éviter d’être frustré par votre pratique.
Ne pas avoir peur de faire des erreurs :
Faire des erreurs fait partie du processus d’apprentissage. Ne vous découragez pas si votre premier dessin n’est pas parfait. Utilisez-les plutôt comme des opportunités d’apprendre et de vous améliorer. Laissez votre créativité et votre imagination vous guider et essayez de nouvelles choses. Une chose qui m’a vraiment aidé à me libérer de la peur de faire des erreurs a été de dessiner directement avec un marqueur ou un stylo à bille pour ne pas avoir à effacer mes erreurs. C’est une pratique très enrichissante qui peut être vous aideras aussi. J’en parle dans l’article « Dessiner avec audace »
Cependant, avant d’aborder tous ces domaines, il est important d’aborder d’abord le dessin d’observation. Si vous ne le faites pas, vous constaterez rapidement que vos dessins deviendront tordus et ne sembleront pas corrects sans même que vous sachiez pourquoi. Ça vous permettra également de prendre du recul sur votre travaille et développe votre esprit critique. De plus, l’apprentissage de ces bases sera plus rapide si vous commencez à dessiner par observation. Il vaut donc mieux faire les choses dans l’ordre.
C’est intéressant de regarder des natures mortes dans des dessins d’observation. Idéal pour composer et pratiquer 🙂
Comme vous pouvez le constater, vous devez survoler de nombreuses zones. (J’ai inclus tous les liens vers les différents articles pour vous aider) Interagissez. Il est donc recommandé de ne pas éviter cette zone sous prétexte de « je n’en ai pas besoin ». Croyez-moi, vous pourriez vous sentir limité à un moment donné.
La bonne nouvelle est qu’il n’est pas nécessaire d’être parfait en tout. Ces domaines sont « connectés », donc travailler sur un domaine signifie travailler également sur un autre domaine. Bonne chance dans vos progrès !
Cathy 🙂
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