22/01/2025 – Temps de lecture 8min
Préhistoire
La Vénus de Willendorf, une petite statuette de 11 cm en calcaire, a été découverte en 1908 à Willendorf, en Autriche. Elle représente une femme nue avec une forte obésité, la tête penchée en avant et les bras sur la poitrine. Des pigments suggèrent qu’elle était originellement peinte en rouge, et sa perfection lui a valu une renommée mondiale en tant que déesse mère, symbolisant la fécondité féminine.
Les peintures rupestres de la grotte de Lascaux, réalisées par des chasseurs ingénieux, présentent des figures animales impressionnantes. Les artistes utilisaient des troncs d’arbres comme échelles, des lampes à graisse pour l’éclairage, et des pigments naturels pour créer leurs œuvres. Ils ont même utilisé la technique de la réserve pour créer une perspective et l’illusion de la troisième dimension.
Les tumulus, éminences artificielles recouvrant des sépultures, varient en composition. Les tumuli de terre sont rares aujourd’hui, tandis que les tumuli de pierre (cairns) sont mieux conservés, souvent consolidés par un parement en pierre sèche. Certains tumuli mégalithiques peuvent même avoir une façade architecturée à l’entrée de la sépulture.
Egypte Antique
Le mot « hiéroglyphe » vient du grec signifiant « graver sacré » et était utilisé à l’origine pour désigner celui qui les traçait. Plus tard, il a évolué pour englober les caractères hiéroglyphiques eux-mêmes. Les Égyptiens les appelaient medou-netjer, et ces signes figuratifs étaient inspirés par la vie quotidienne, les animaux, les plantes et le corps humain.
Pour écrire, les Égyptiens utilisaient un calame, un roseau taillé en pointe. Cela a influencé l’écriture cunéiforme et même la calligraphie arabe. Les hiéroglyphes étaient souvent gravés sur des monuments ou tracés avec de l’encre sur un support moins durable.
L’art de l’Égypte antique était caractérisé par l’ordre, utilisant des lignes claires et des formes simples. Il n’y avait pas de perspective, mais plutôt un canon de proportion égyptien. Les personnages étaient représentés en fonction de leur importance sociale, religieuse ou politique, sans tenir compte de la perspective.
Les mastabas, édifices funéraires rectangulaires inclinés, servaient de sépulture aux rois et hauts dignitaires. Ils étaient dotés de chapelles funéraires, de fausses portes symboliques et de puits menant aux chambres funéraires souterraines. Ces tombes familiales pouvaient avoir plusieurs puits et caveaux à différentes profondeurs.
Grèce Antique
L’art grec antique, datant du Ier millénaire av. J.-C., s’étend sur la Grèce et ses colonies méditerranéennes. Il trouve ses racines dans la civilisation créto-mycénienne et a influencé de nombreuses autres cultures.
Les Grecs avaient une vision anthropocentrique du monde, façonnant leurs dieux à l’image humaine. L’évolution de l’art grec se divise généralement en trois périodes : archaïque, classique et hellénistique.
- Période archaïque (800 av. J.-C. à 480 av. J.-C.): Époque d’essor préparant le classicisme avec une multiplication de monuments dans les grands sanctuaires grecs.
- Période classique (fin du 4ème siècle av. J.-C. au début du 5ème siècle av. J.-C.): Introduit le classicisme, avec la sculpture comme aspect le plus connu de l’art grec antique.
- Période hellénistique (IVe siècle av. J.-C. au Ier siècle après J.-C.): Suit la défaite grecque face à Philippe de Macédoine et à Alexandre le Grand. La peinture atteint son apogée, couvrant des thèmes variés tels que l’histoire, la religion et la mythologie.
Ce site, fait le tour de toutes les périodes de la Grèce Antique.
La Vénus de Milo, une statue de la déesse Aphrodite, est une œuvre célèbre de l’époque hellénistique, créée vers 150-130 av. J.-C. Elle est remarquable pour sa beauté et son mystère, surtout en raison de la disparition de ses bras. La statue, exposée au Louvre, a suscité des débats sur la position originale de ses bras. C’est une représentation majestueuse d’Aphrodite, avec un visage calme et un haut du corps parfaitement proportionné. Les détails comme la coiffure, les seins, et la draperie ajoutent à son charme unique.
Les Types d’Enluminures:
- Composition Décorative: Bordures avec motifs floraux et entrelacs.
- Lettrines Décorées: Lettres colorées, parfois ornées de plantes, d’animaux, ou déformées.
- Scènes Historiées: Représentation de scènes de chasse, de guerre, ou de la vie quotidienne dans les espaces libres des lettres.
Moyen Âge / Époque Romaine
La Période Romane:
La période romane (XIe – XIIe siècles) est marquée par des phénomènes politico-religieux tels que les croisades et les pèlerinages. L’art roman, surtout présent en France, émerge avec rigueur et austérité, mettant l’accent sur la fonction religieuse. L’architecture romane, principalement religieuse, se caractérise par des édifices tels que les abbayes, conçus pour le recueillement. La lumière joue un rôle central, sublimant le sanctuaire. En Italie du Nord, l’art roman apparaît avec des églises en forme de navire renversé, appelées « nefs. »
Cathédrale de Milan:
La cathédrale de Milan, surnommée « Hérisson de marbre, » est un chef-d’œuvre gothique débuté en 1386 et achevé en 1887. Elle est ornée de sculptures représentant des scènes religieuses. Avec ses 135 flèches, elle est la troisième plus grande cathédrale du monde. Elle comporte des éléments de l’architecture romaine, notamment la porte.
Enluminures au Moyen Âge:
Une enluminure est un dessin à la main décorant un manuscrit. Les moines du Moyen Âge créaient ces illustrations sur des parchemins. Les enluminures mettaient en lumière les textes, attirant l’attention et fixant la mémoire. Les supports, fabriqués à partir de peaux de chèvre ou de mouton, étaient cousus pour former le codex, ancêtre du livre moderne. Les couleurs, provenant d’ingrédients tels que l’urine humaine, les coquillages et les plantes, étaient utilisées pour créer des motifs décoratifs et des lettrines.
Renaissance
La Renaissance, s’étendant sur deux siècles, révolutionne la peinture avec des variations régionales, des écoles picturales et des contextes politico-sociaux divers. Divisée en trois périodes – la première Renaissance (1400 – 1500), la Renaissance classique (1500 – 1520) et le maniérisme (1520 – 1600) – elle émerge en Italie au XVe siècle. Alors que le gothique international persiste en Europe, des changements majeurs sociaux, politiques et scientifiques exigent de nouvelles formes d’expression artistique, reflétant une époque qui se distancie du Moyen Âge.
Évolutions Socio-politiques:
La prise de Constantinople (1453) et la montée de la philosophie humaniste changent les mentalités, diminuant l’influence absolue du christianisme. La découverte de l’Amérique en 1492 élargit le monde, suscitant l’ambition des monarques européens. L’imprimerie de Gutenberg (vers 1440) démocratise le savoir, bouleversant l’autorité ecclésiastique. Les Européens libérés du féodalisme voyagent, les artistes s’émancipent, contribuant à un échange culturel sans précédent.
La Renaissance Artistique:
Au début du XVe siècle, la Renaissance annonce son avènement avec l’invention de la perspective et la redécouverte de l’art antique. La perspective linéaire révolutionne la composition picturale, basée sur des schémas de lecture inédits. Les artistes aspirent à l’idéalisation de la beauté, mêlant connaissances mathématiques, littéraires et scientifiques. L’humanisme ouvre la voie au portrait, jusqu’alors interdit par le pouvoir religieux.
Influences Nordiques:
L’influence septentrionale, en particulier flamande, se fait sentir rapidement, avec des marchands italiens et flamands participant à la diffusion des œuvres. Les studiolos des grandes familles en Italie favorisent également l’ascendant nordique. L’évolution vers la perspective monofocale centralisée crée une unité de lieu, temps et action dans les œuvres, mettant l’homme au centre.
Différences Régionales:
La Renaissance italienne privilégie une peinture intellectuelle, réfléchie et philosophique, tandis que les Flamands expriment davantage les sentiments intérieurs à travers un dessin expressif et poétique. Les portraits flamands, détaillés et réalistes, diffèrent des idéalisations italiennes. L’influence flamande se manifeste dans la composition des tableaux d’autel et l’utilisation de la peinture à l’huile.
Grands Maîtres de la Renaissance:
- La Joconde (Léonard de Vinci): Réalisée entre 1503 et 1506, Léonard de Vinci utilise la technique du sfumato pour créer une atmosphère douce et réaliste, marquant une rupture avec les traces de pinceau visibles.
- Le David (Michel-Ange): Chef-d’œuvre sculpté entre 1501 et 1504, Michel-Ange contourne les défauts du marbre pour représenter David avant son combat contre Goliath.
- Le Mariage de la Vierge (Raphaël): Peint en 1504, il reflète la symétrie et la rigueur de la perspective linéaire, montrant l’influence de l’antique et l’humanisme.
Conclusion:
La Renaissance transcende l’art, façonnant la pensée humaine pour les siècles à venir. Elle illustre une période de bouleversements, où la vision du monde change et où l’art devient l’expression d’une nouvelle ère intellectuelle, sociale et politique.
Avec cet article, vous avez une petite plongée super sympa dans l’histoire de l’art, de la préhistoire à la Renaissance. Ces époques regorgent de sujets passionnants ! Peut-être qu’au fil du temps, je me lancerai dans des articles plus détaillés, un par période, pour explorer davantage chaque facette.
Bien à vous,
Cathy 🙂
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